Exposition - vente "La Résistance des Images", à la Patinoire Royale, jusqu'au 30 septembre 2015

 

Commissariat général: Jean-Jacques AILLAGON, assisté de Guillaume PICON

 

Le lieu et le projet

 

La Patinoire Royale est une galerie d’art émanant d’une initiative privée, organisant des expositions – ventes temporaires d’une durée de quatre mois environ. Ces expositions ont pour ambition de faire retour et d’interroger les soixante dernières années de la scène artistique européenne, que ce soit des arts plastiques ou du design.

Ce faisant, la Patinoire Royale poursuit un double but: celui de répondre à la demande pédagogique croissante d’un public toujours plus friand de comprendre le contexte actuel de l’art contemporain en percevant mieux l’histoire récente de l’art moderne. Le deuxième but est de permettre au public des amateurs et des collectionneurs de s’approprier en l’achetant une œuvre d’art présentée dans un contexte muséal.

En quelque sorte, la Patinoire Royale peut être considérée comme un lieu de culture, à l’exigence muséale, où tout serait à vendre. Cet hybride constitue un « unicus » dans le paysage culturel belge et européen. La vente des œuvres en ses murs permet d’équilibrer les budgets et de créer une dynamique dans la poursuite de ses projets et la programmation des expositions futures.

Le propos de l’exposition

En 1964, à la Biennale de Venise, le peintre américain Robert Rauschenberg remporte le prix de la Biennale pour ses compositions innovantes et particulièrement abstraites. Pour les peintres français de l’époque, tous attachés à la figuration, cette victoire constitue une menace. Tous sont des artistes engagés politiquement, jeunes et contestataires, et n’entendent pas de se faire déposséder du principal médium de leur engagement que constitue l’image. Rassemblés autour de la figure de Gérald Gassiot Talabot, brillant critique et commissaire d’exposition, ces peintres français (ou travaillant en France, en provenance de pays divers) décident de se mettre en mouvement lors d’une exposition manifeste organisée en 1964 au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Plus qu’un mouvement homogène, la ‘Figuration narrative’ telle qu’ils qualifient leur rassemblement, est davantage l’addition d’individualités artistiques très diverses, partageant cependant la commune envie de défendre l’image et son rôle narratif dans la création de l’époque.

 

L’exposition ‘La Résistance des Images’ présente un ensemble de près de 170 œuvres des artistes de cette mouvance artistique. Certains en furent les ténors fondateurs, d’autres s’en réclament à distance. La présente exposition les rassemble ici dans une visée muséale et patrimoniale des œuvres en provenance directe des ateliers des artistes ou de leurs ayant droits, peu ou jamais vues du public. L’exposition a également comme objectif d’exhumer de ce passé récent des talents plus confidentiels, qui ont vécu parfois trop longtemps à l’ombre des « grands ».

Une liste de prix est disponible à l’accueil de la Patinoire, en consultation libre.

 

 

 

 

 

 

 Quatre thèmes structurent l’exposition, qui se visite au départ de la tour d’escalier au centre de la nef en direction de la galerie Valérie Bach.

1.    La mythologie de la vie quotidienne

 Pour les pays industrialisés du bloc occidental, l’après-seconde-guerre-mondiale inaugure une période de forte croissance économique. À l’échelle de la France, l’économiste Jean Fourastié en fixe le point de départ à 1947, année du premier plan Monnet pour « la reconstruction et la modernisation économique du pays », et la fin du choc pétrolier de 1973. Aussi, dans un essai paru en 1979, Fourastié qualifie-t-il cette période de « Trente Glorieuses », formule passée à la postérité. Si, depuis, les historiens en ont nuancé la portée, il n’en reste pas moins que, durant les années 1950 et 1960, la France a connu un taux de croissance annuel de l’ordre de 5%.

 Bénéficiant plus ou moins aux différentes catégories de la population, la croissance permet une démocratisation de la consommation. Si, en 1954, 7,5% des Français possèdent un réfrigérateur, ils sont 91% vingt ans plus tard. La société française est entrée dans l’ère de la consommation de masse.



Jean-Pierre BABOU, Par tous les temps, 1973, Acrylique sur toile, 150 x 150 cm

 

Le succès du Salon des arts ménagers illustre l’élan consommateur qui s’est emparé des Françaises et des Français. Fréquenté chaque année par plus de 900 000 visiteurs, le Salon quitte le Grand Palais en 1961 pour s’installer dans le tout nouveau Centre des nouvelles industries et technologies (Cnit) de La Défense. Là, sous une voûte en béton armée de 22 500 m² sont exposés appareils et ustensiles qui constituent autant de reflets d’une époque placée sous le signe de la nouveauté, de l’hygiène, de la qualité de vie, du confort et du loisir. Un an plus tard, le Salon l'automobile quitte, à son tour, le Grand Palais pour s’installer au Parc des expositions de la porte de Versailles. L’automobile, symbole d’indépendance et de liberté, y attire, chaque année, près d’un million de visiteurs.

 

 

Cette offre pléthorique de produits de consommation est, à la fois, relayée et entretenue par une publicité omniprésente. Ainsi, que ce soit « en vrai » ou en images, les objets investissent le quotidien dans toutes ses dimensions, de l’intime au professionnel. Riches de significations, ils constituent, comme l’a montré Roland Barthes, une nouvelle mythologie. Tenaillés par une insatiable soif de consommation, les individus, ne songeant plus qu’à satisfaire leurs besoins, rivalisent en quelque sorte avec les dieux et héros des anciennes mythologies grecque et romaine. Des artistes ont choisi rendre compte de cette nouvelle réalité. Dotées d’une forte charge critique, leurs œuvres démontent les apparences, pour, au-delà, interroger, sinon soumettre à la question, la société de consommation.

 



Jean-Pierre BABOU, Salle de bain bleue, 1970, Acrylique sur toile, 65 x 50 cm

2.    Sex and love

 

La révolution sexuelle et la libéralisation des mœurs ne datent pas de Mai 68. En réalité, l’une et l’autre sont en route depuis le début des années 1960. La marche est longue tant une chape de plomb moral recouvre les sociétés occidentales. L’élan modernisateur des Trente Glorieuses semble s’être limité à la sphère économique… Les relations sexuelles avant le mariage sont interdites et il n’est pas rare que les jeunes femmes enceintes soient renvoyées par leurs employeurs ! La contraception n’en est alors qu’à ses balbutiements. Ainsi, en France, ce n’est qu’en 1967 que la loi Neuwirth autorise la pilule contraceptive depuis 1967.

 

Le Mouvement du 22 mars, à l’origine des « événements de Mai 68 », est né sur le campus de Nanterre où les étudiants ont interdiction, le soir, de rendre visite aux étudiantes. Les tenants de l’ordre moral condamnent alors la mixité des sexes hors l’empire du mariage et de la cellule familiale. Aussi, l’amour et le sexe occupent-ils une place importante dans les slogans scandés par les étudiants. « Faites l’amour, pas la guerre » et « Jouir sans entraves » sont encore dans les mémoires.

 

 

Gérard SCHLOSSER, Tu la vois toi l'alouette ?, 1976, Acrylique sur toile sablée, 120 x 120 cm

 En France et ailleurs, à la fin des années 1960 et au-delà, la contreculture multiplie les émules. La jeunesse s’attaque à la morale et aux institutions au nom de la libération du désir et de l’épanouissement des individus. Le Mouvement de libération des femmes (MLF) est très actif durant les années 1970, les féministes revendiquant leur propre jouissance sexuelle et défendant une procréation choisie : « Un enfant si je veux, quand je veux ! » En 1975, la ministre de la Santé, Simone Veil, obtient, malgré des résistances, les plus virulentes venant de son propre camp, le vote de la loi sur l’Interruption volontaires de grossesse (IVG).

 Les milieux homosexuels, notamment le Front homosexuel d’action révolutionnaire (Fhar), créé en 1971, jouent un rôle non négligeable dans la libération des mœurs en cours. Divorces, unions libres, droit à la sexualité pour les jeunes, homosexualité revendiquée, libération de la parole et des images sur l’érotisme et la pornographie…, tous ces sujets ne sont enfin plus considérés comme tabous. Dès lors, y a-t-il lieu de s’étonner que les corps, celui de la femme, d’abord, celui de l’homme, ensuite, l’amour et le sexe constituent des thèmes récurrents des artistes. Trop longtemps les mœurs avaient été serrées dans un corset. Les artistes venaient d’en couper le lacet et les chaires respiraient, se dilataient, éclataient, au grand jour en une symphonie de couleurs et de désirs.

Jacques MONORY, Exercice de style n° 3, 1967, Huile sur toile, 110 x 110 cm

 

3.    L’Engagement politique et l’idéal révolutionnaire

 

Dans les années 1960, la peinture d’histoire qui a triomphé au XIXe siècle est largement discréditée par l’usage qu’en ont fait et en font, encore, les régimes totalitaires. Représenter des événements contemporains renvoie, alors, à une pratique d’un autre temps, celle des peintres du XIXe siècle, qualifiés avec mépris de « pompiers ». Seuls les tenants du réalisme socialiste semblent prêts à s’y risquer. Pourtant, dans des sociétés où les images règnent sans partage, qu’il s’agisse d’images publicitaires, de photographies ou de reportages d’actualités, le désir d’une peinture d’histoire engagée – et pourquoi pas d’avant-garde ? – est partagé par de nombreux d’artistes.

 

Il est vrai que les guerres coloniales leur fournissent un sujet idéal. La dénonciation de l’impérialisme devient un impératif artistique promis à un bel avenir, les États nouvellement indépendants restant étroitement liés aux puissances coloniales d’hier... Pour bon nombre d’artistes, l’impérialisme n’est rien d’autre qu’un nouvel avatar du fascisme.

 

Erro, Avanti Popolo, 1974, Acrylique sur toile, 98 x 69 cm

En témoigne le Grand Tableau antifasciste collectif (1960) auquel participent Erró et Recalcati. Sept ans plus tard, à La Havane, cent artistes, parmi lesquels Arroyo, Erró, Monory, Rancillac, créent, à l’initiative de Wifredo Lam, l’immense Mural Cuba Colectiva. Les « événements de mai » sont déjà dans l’air et les quelques semaines où la Sorbonne est occupée sont pour les artistes l’occasion de constituer un atelier populaire et de lancer, en guise de pavés, des sérigraphies passées à la postérité pour leur insolence, souvent, aussi juste qu’efface.

 

Mai 68 ne se limite pas à la France, loin s’en faut. Le Printemps de la jeunesse – à défaut d’un véritable « Printemps des peuples » – se propage au-delà du bloc occidental. Le « tout est politique » des étudiants contestataires est en passe de devenir une norme. Aussi, l’époque est-elle aux débats politiques. La contreculture qui dénonce l’ordre établi avec, à sa tête, l’État, rencontre un écho auprès des jeunes générations. Il n’est que de songer au succès de La Société de consommation de Jean Braudrillard, véritable manifeste de la contreculture édité en 1970, ou à l’influence du Éros et civilisation d’Herbert Marcuse, appel à une société non répressive, lancé en 1958. Les livres valent que si on en sort. L’engagement est alors synonyme d’action, parfois même de violence. La modération n’est pas à l’ordre du jour. L’art sera engagé ou ne sera pas !

 

Ivan MESSAC, Vive la vie !, 1976, Acrylique sur toile, 150 x 170 cm

 

4.    La citation à l’histoire

Cherchant tous à résister par l’image face au danger de l’abstraction, les peintres de la figuration narrative (ou assimilés au mouvement) se réclament de la filiation des grands maîtres de la peinture occidentale. Aussi n’est-il pas rare que, fiers de cet héritage dont ils affirment être les derniers tenants, ces artistes fassent citation des monstres sacrés tels que Rembrandt, Velasquez, Goya, Manet, Léger ou Picasso, reprenant à leur compte leurs inventions, leur rendant hommage ou subvertissant en toute irrévérence leur message et leur technique.

Alain JACQUET, Déjeuner sur l'herbe, 1964, Sérigraphie sur toile, diptyque, 175 x 195 cm

Cette citation s’inscrit également dans la démarche historique pleinement assumée des mouvements de gauche. L’histoire est en marche et est un éternel recommencement. L’art qui en rend compte doit également en faire la citation.